设计无middotloft风格酒

不一样的设计，不一样的故事。设计是技术、技巧，更是信仰、哲学……

《“设计无”可能吗？》

当其无，有室之用---老子·道德经

“设计无”的由来

两年前，我被苏丹先生带入中国室内装饰设计界参加一个专业研讨会。当时我得到一个强烈启示：如果说人类一切都是“设计”的，乃至宇宙万物的一切“和谐、美丽与生命”都是“设计”的结果，“设计”无处不在，那么，人类思想、艺术、设计、创新的边界在哪里？“设计无”可能吗？比如，我们看今天的设计，作为“后现代”的产物，到“极简主义”似乎已经到头了，我们能否继续突破后现代极简主义设计，继续向前推进，设计“无”？也就是说，中国当下的思想、艺术、设计、创新等领域能否提出一个全新的设计理念：“设计无”？

难以言喻的“设计无”

当我把这个想法与设计界的大师们分享的时候，他们多一脸茫然。一个聪明人问：你能不能举个例子让我们明白什么是“设计无”？“无”如果是“没有，不存在的意思”，怎么设计“无”？设计的目的是创造“有”，满足客户需求，怎么可能“设计无”？这的确是个好问题！我意识到谈论创新概念或哲学的纯粹理念可以抽象，就像老子论“道”，魏晋时期的“玄学”，甚至“禅”，但谈论“设计”这种明确而现实的问题，人人看得见，甚至每天使用的物理空间，如何实现“设计无”？这的确是个难以表达而疯狂的想法！但我也深知这恰恰是“创新”及“实现终极思考的开始”。我为这个想法而激动！但很久我都没有找到可以把“设计无”说清楚的例子。

大约过了一年，有一天我看到一张照片，是德国工人盘的电线。刹那间我眼睛一亮！这张照片远看像美丽的蝴蝶，近看是整齐的现代艺术，我问设计师们你们看到什么？居然没有人说“这是电线”。我说：这就是“设计无”！本来的电线通过德国工人的创造性设计，它们不再是电线，电线“没有了”，而成为一种新的、赋有生命和尊严的“艺术品”，给人以美的享受。但这个例子依然不足以让人明白“设计无”的理念。

我继续绞尽脑汁试图用生活中的例子说明什么是“设计无”，比如桂林山水。我对设计师们说：当我们身在桂林的时候，会被桂林山水打动，如同进入仙境。大家想想，那时，你看到的山水、树木、浮云、迷雾等物自然天成，浑然一体，你还会看到具体的“石头、树木”吗？你会完全忘掉“材料”，忘了“细节”，被“天作之合”感动。这叫“神来之笔”。这就是“设计无”。通过就地取材，创造一种整体氛围，从而打动人的心灵，让人完全忘掉“物”，忘掉“有”而感受到一种“无”，一种精神，一种生命力，创造出一种“情境”和“氛围”。这时，设计就实现了使“物”从有到无、再从无到有的重生过程。这就是“设计无”的精髓：让万物重生！对我的解释，设计师们依然似懂非懂。

我认识一个开发商，希望他帮助实现“设计无”的抽象理念。我把“设计无”的理念跟他说了之后他非常感兴趣，愿意拿出金钱和空间来干，但当他要看“效果图”的时候，我居然找不到设计师可以拿出效果图！“设计无”的理念再次遭到挫折。我发现自己面临的最大问题是：“设计无”到底应该是什么样的？我急需看到一个可以说明问题的作品。这再次证明：一个好想法容易，说出来也容易，但你做出来给人看看则非常困难，被人接受更难。

“设计”这种东西是非要让人看到并可以亲身体验。我再次陷入表达困境，一直到有一天看到王海松教授的设计。

终于发现了“设计无”

大约过了两年，有一天苏丹先生说：我带你认识一个人，看看他的作品是不是就是你说的“设计无”？当我看到王海松教授工作室的时候，我惊呆了！这就是我一直寻找，梦寐以求的“设计无”！

海松教授的工作室是由老旧厂房改建的，外表其貌不扬，但进去就会眼睛一亮！这种“亮”的感觉是由简单、明亮的白色，透明的玻璃隔断及透明桌面汇集而成，好像没有设计，但又可以感受到主人纯净的内心，好像他要告诉你这里的一切都是简单、公开、透明、开朗、快乐，没有忧愁与秘密。进门右边是用水泥浇注的吧台，吧台上面是一幅巨大的西北荒凉的黑白风景照，以自然的气势呼应着工作室的简洁风格，让人觉得仿佛来到现代美术馆。

拾阶而上，来到二层，我的眼睛一下子被迎面的“墙”所吸引！你可以说这是一堵墙，一幅画，一个屏风，一件抽象艺术作品，总之，它是什么又不是什么，可能无数人可以看出无数种东西！仔细看，它是由铁网拥抱的“有温度”的碎砖（把一个旧物件称为“有温度”是海松的用语）。这些碎砖在铁丝网后面热烈地拥挤着，大小姿态各异，仿佛要通过铁网争相向我讲述自己的故事。刹那间，我眼睛湿润，我感到与其说这些是没有人要的垃圾、废物，不如说是重新获得生命和尊严的奇迹！我一直忘我地盯着它们看，如同看大师作品的一笔一画，有的雄壮、粗放，有的细小、温柔，但都以安静、沉思而坚定的热情注视着我。铁网把它们的个性和新生命的张力加以规范，赋予它们整体秩序的美和安全感。我不知道自己在这个作品前站立了多久，我被这个新生命感动！我知道我终于找到“设计无”了！这种感觉如同身处桂林山水，完全忘却了具体的“物”而处在一种“无我”的幸福状态中。这就是“设计无”！

我心目中的“设计无”大师

这时，我回过头来，如同发现新大陆一样，端详着这个中等身材，文静而谦逊的设计师。我必须跟他认真聊聊。

我最关心的问题是：一个教授、设计师在大学这样的环境中，如何设计出这样的“超质朴”作品？大学并不缺钱，追求奢华和时髦易如反掌，如何成就“设计无”？特别是在今天这个讲究排场、奢华及气派的环境中，这样的设计简直是让人感动的，是“另类”。

海松谦逊地说：“设计无”是你提炼的，作为设计师，我只考虑“有”，通过“有什么”而创造。设计的理念和设计的结果是一个形而上与行而下的复合问题。我理解设计师就如同一个裁缝，看客户需要什么？怎么量体裁衣？当然，只把衣服做好，手艺不错，满足客户需求，挣到钱，这只是一个匠人，不是艺术家，也不是真正意义上的设计师。

海松说：设计师与工匠的区别是设计师把创新设计当作自己毕生的追求，每设计一个新作品，必须以探索和发现的精神去对待而不是重复自己的技艺。我理解“设计无”就是通过一种设计精神的体现让人完全忘掉具体的技术与材料。“设计无”不是极简主义的重复，也不是为了简而简，而是如同武林高手一样，无招胜有招，拿什么都是兵器，怎么用都有道理，达到出神入化的境地。

海松认为，一个出类拔萃的设计师，要达到这样的境界，不能预设什么，没有任何限制，完全忘我，只根据环境及材料深入思考，看怎么做可以赋予Share分享物质与空间新的生命与尊严，让“无”与“物”成为一个新生命、新共同体的一部分。

海松说：我不刻意追求细节，注重整体风格及精神气质的营造，以达到“无我”的境地，让作品凸现“无设计”，让人忘掉“设计痕迹”，如同一幅抽象画，你是谁，你就看到什么，或者是“桂林山水”，你身在其中，可能你喜欢山，他喜欢树，有人喜欢云，但不管谁，在“桂林山水”之间，都会被整体美所征服，忘掉个人及个体所好。这就是来自大自然的关于“设计无”的启示，我追求的目标。因此，我理解“设计无”不是字面的“没有”。“设计无”代表通过设计，实现物及空间的“重生”。“无”不是“不是什么”而是“一切”。正如老子说的“上善若水”和“无为”。“无为”不是什么都不做，而是以创新的态度努力做好一切，通过“忘我”达到天人合一的境界。这时，“创新”及“好”的标准是：追求终极又永无止境，从而实现“无所不为”的入世目标。在21世纪互联网时代，这样的“设计无”的思考，可以让我们看到中国传统智慧如何把佛教的出世精神和基督教的入世精神完美结合起来，在宗教、哲学、设计及思想等多方面实现创新的无限可能性！

海松说：如果用更通俗的语言表达“设计无”，就是追求“质朴”。“质朴”在这里就是用原有的材料来表现材料本身的“美”。在我的工作室里，除了玻璃、水泥等必要的建筑材料之外，一切都用屋子里本来就有的，破旧的“废物”。比如你看到的这堵墙。这些砖本来就是这个空间里的，这种老材料有“温度”，是这个空间的一部分，我不能把它们清除出去，而是通过“设计无”的思考，从功能及布局上重新给它们以生命。作为设计师，设计一个老房子，一定要吃透老房子的价值，要留什么？去什么？补什么？必须用一种诚实、尊重生命的眼光去发现这个空间及材料的意义和价值。尽管设计师的形式感是天生的，但设计的逻辑、审美、思路是环境、教育及各种修养的综合结果。把“设计无”作为一种方向，就是不做加法，不去刻意追求“创造什么”，而是用现有材料从现存的情境中去发现其“精髓和意义”。这种“精髓和意义”不是我要如何，而是探寻和研究“本来应该如何”？所谓“设计无”就是寻找空间环境及材料本来应该如何？去尊重它们，爱它们，帮助它们，让它们重新获得生命，而不是刻意地，粗暴地去改变或消灭。

如果我们的设计理念是“无”，其实是一个“去自我的”的修炼过程，在这个过程中，设计师应该对自然、对材料、对已有的环境给予充分的尊重和同情，有谦卑之心，这样的设计会更健康，更有利于未来。

中国最近10多年的经济发展，让中国人见识广了，在物质欲望满足之后，人们开始愿意接受一种具有精神价值的设计，而这样的设计，如果说可以超越后现代的极简主义，那就是提出“设计无”的理念。我们可以把这样的设计统称为“未来设计”或“设计未来”。因为从理性上说，正如圣雄甘地所言：这个世界足以养活人类，但不能满足人类没有止境的奢侈欲望。当设计是加法、乘法的时候，最终我们会被“设计死”。只有设计是减法、除法，甚至设计追求一种“无”的境界，通过设计赋予环境、废旧材料以新的尊严和生命，让设计更具有道德意义上的善，思考人类的永续发展，人类的未来才有希望。

听了海松上述话，我觉得他是“大师中的大师”！他没有谈论设计的“述”，没有谈论如何赚钱及自己的个人成就，而是始终思考设计的“道”及使命！因此，我认为有必要从哲学史、艺术史等复合角度认真解读海松“设计无”的启示。

从哲学史角度看“设计无”，重新思考“有与无”

公元前7世纪，古希腊最早的哲学家，也被称为人类第一位哲学家泰勒斯就提出：宇宙产生于“无限”。如果我们把“宇宙”作为客观存在的“有”，那么，“无”或者“无限”仅仅是基于“有”的未知。因此，“无”并不是“没有”，而是“有”以外的“未知”。由此我们从语言哲学的角度可以发现：人类事实上只能生活在“有”中，不可能生活在“无”中。比如：当我们说：“无什么的时候”，事实上我们的前提条件是“有”。我们说：“我无钱”“无房子”“无老婆”等等，确切意思是：我承认钱、房子、老婆这样的事存在，只是不属于我。人类说不出真正“无”的东西，因此，我们可以间接证明“纯粹的无”是不存在的。比如，在原始社会，人类就不可能说“我无电脑”。因为那个时候还没有电脑，人类说不出“不存在的东西”。同理，当我们说“无上帝”的时候，意思是说：上帝是存在的，只是我不信、不知道，或者我无法证明。我们确立人类关于“有与无”的概念边界非常重要！因为“无”代表“有”的边界，代表“认知以外的未知领域”。同时，“无”是突破的目标与方向，也是老子说的“道”。老子在《道德经》里说：道可道，非常道。也就是说，如果“道”是可以说出来的，就不是“道”。这为人类思考和探讨“道”指明了方向，让“无”赋有了明确的意义。

根据我们上述关于“有与无”的语义梳理，在“有与无”之间，就是老子说的“道”。比如，我们为什么可以看清楚一个桌子，一个大楼的形状？因为我们可以看到“边”。这个“边”就是桌子的“有与无”之间的“道”。桌子因“无”或者“道”而可以被认知。这就是老子“道”的通俗解释。按当时老子对世界的认知，老子说不清“道”其实就是“无”，是“有”的边界。

今天，我们清楚“道”是什么。“道”就是边界，就是创造性思维的方向，就是处在“有”与“无”之间的“未知存在”。这种“存在”没有大小，用霍金的说法是“事件中心”，用宗教的说法是“神”，用客观的说法是“宇宙秘密”，用通俗的比喻是隔在“有与无”“知与未知”之间的“一层窗户纸”。因此，当我们说“设计无”的时候，我们确切的意思是：我们要通过创造性思维，通过对“无”的追求，而达到“无中生有”，赋予物质以新的生命和尊严。

比如我们看海松教授工作室的设计。原来那里没有墙，他增加了一堵墙，“无中生有”。而这堵墙是由原来在屋子里废弃的旧墙拆下来的砖头，经过破碎的过程，以新生命形态重新组合，体现设计师整体“设计无”的理念。这其中蕴含的“从无到有”又“从有到无”的变化，是设计师驾驭“设计无”的精髓：从物质到精神，再从精神到物质的神奇转换。可谓“出神入化”。我们可以从很多看似不经意的细节体会上述设计理念。比如巨大的玻璃会议桌。“桌腿”是由原来厂房里有的三角铁按一定尺寸焊接而成。它们第一眼看上去很乱，但其结构设计的灵感来自于设计师童年玩的欻木棍游戏，就是攥成一把细木棍，一松手，看其成为什么形状。这是一种乱中自有道理的“天然设计结构”。但作为桌子腿，又要符合几个基本原理：力学原理、方便实用性原理，比如，桌子腿不能碰到使用者的腿，而且要桌面平整。海松在同济大学的工科教育经历及在上海美术学院的教学经历，让他在理性逻辑思考、实干及具有艺术家的想象力、实干家的虚心学习等多方面具有单一教育背景的人所不具备的综合优势。特别是这样一种没有规则的三角铁焊接来的巨大玻璃桌子，找一个平面放玻璃非常困难。但他听取了装修工人的建议。工人们用简单的丝钉，把螺母焊在铁架上，通过调节螺丝高度而找到一个平面。

关于“无”的思考

从老庄之后，在中国哲学史中当属魏晋玄学。虽然中国传统老子、庄子、周易谓之“三玄”，但从当下角度看，我们不能简单重复老子的“玄之又玄，众妙之门”，而应该从中悟道，从“玄”“无”中有所收获。我们需要用现代语言把古代的“玄”变成今天创新思考的启示和动力。

尽管从现代精神、现代文化及文明方面，中国人对人类近代以来的发展并没有什么卓越贡献，特别是过去数百年以来，我们一直以崇拜、模仿、抄袭，最多是所谓“中国化”作为解决“中国问题”的手段，并没有影响世界的能力。但从未来角度看，并不能证明中国人就不会从自己的历史传统中吸取营养，对人类文明发展做出重要的有独创性的贡献。

其实，任何精神、艺术及哲学发展都需要一个自由环境，而且需要具有“全球视野”。过去数十年的经济发展及开放，让相当一部分中国人有足够的物质基础，让他们如同古希腊哲学家一样思考纯粹精神问题。这种思考与中国传统思维最大的区别是非功利的，这是发现真理的重要前提条件。换言之，当我们有这样的闲暇的时候，才能发展自己的精神，并从中国古代文化传统中获益。这也可以解释为什么“设计无”的理念和实践会出现在当下中国而不是西方，并有可能在未来形成以原创精神引领未来世界的思想、设计、哲学及创新潮流。

我们知道，汉朝末年天下大乱，到魏晋南北朝时期，整体情况并没有好转。这些巨大而完全不确定的生存压力，让当时中国知识分子和社会精英开始从道家精神中吸取变革的力量。这与我们今天要从传统文化，特别是道家及魏晋玄学中汲取营养具有异曲同工之妙。

当时著名的玄学家稽康、阮籍、张湛等发展出“精致的形而上学哲学玄思”，这是今天我们思考“设计无”的重要文化根源之一。

当时“贵无论”的提出，认为“宇宙本体超言绝象，无名无誉”。今天，我们通过“设计无”的理念与实践去物中寻找并扩大对宇宙本体“超言绝象”的认知，给予新的命名，让其从无名无誉逐渐获得“名誉”。从设计及思想角度说，这是一种“重生”，从无到有的过程。如同海松的“设计无”，他把一些死的砖头、废角铁注入新的精神，让它们获得生命和尊严。如果我们再从王弼的“动与静”的关系看海松的“设计无”，我们会发现，“凡有起于虚，动于静，故万物虽并动作，卒复归于虚静，是物之极笃也。”如果我们结合“设计无”的理念，并翻译成现代语言，就是：“设计无”追求的动与静的关系是把旧有，“无”，通过变动（设计无）的目的追求新的环境及内心宁静。“设计无”不是破坏，不是废弃，不是简单的扬弃，而是在尊重历史传统基础上，追求新生命的意义！因此，万物虽然不断变动，但并没有被抛弃和死亡，而是获得“永生”。这就是“设计无”的终极意义。换言之，“无”不是否定，消灭，而是追求永恒和重生的路径。这给人类一切思想、哲学、创新及艺术以终极目标。我们可以在海松的每一个设计细节中感受到他的“设计无”，追求“物之极笃”的大胆实践。比如，他工作室使用的竹制窗帘。表面看是很普通的竹帘，外面是一层透明塑料布，既有保温效果，又非常便宜，容易更换。这就是“设计无”要追求的设计理念：从现成的、最便宜的材料中设计出最佳效果。如果设计仅仅是花钱堆各种昂贵元素，那么，设计就失去了意义。真正面向未来的设计，一定是在现有物及环境的基础上以“无”开始，最终创造性地、以节俭的办法营造出崇高的精神气质：体现物及环境的永恒的生命与尊严！

稽康主张：“越名教而任自然”，用现在的话说就是反对任何传统教条而遵从宇宙法则。这里，我们把宇宙法则、自然结合“设计无”的理念，明确定义为：以创新的精神，以尊重物的态度，通过“设计无”的理念，给物以新生命，实现永恒、永续发展。比如，海松在两个房子之间设计的中式花园。他没有用任何真树，而是通过立柱的错位表现中国传统园林中的树林，用重新焊接的角铁体现藤蔓的视觉效果，用水泥墙当屏风等等，创造出中式元素的后现代简约、实用的工业风格。

从设计角度，如果大家可以普遍认识到地球根本无法满足人类没有止境地追求奢侈的贪欲，人们就有可能从传统文化中汲取营养，重新建立审美！人类要想有和平、幸福的未来，就必须超越传统，超越教条，回归“自然本性”，追求“无我”“万有”“平衡”“永生”等全新的复合理念。这是产生新思想、新哲学及新设计的前提条件。

从海松的“设计无”我们可以看到，设计师如何给身边最便宜的材料以精神气质，让“万物因之而生，人性因之而善”。践行“设计无”就是赋予物以“气”，使其复活、重生！最终达到“上知造物无物，下知有物之自造也”。这就是中国传统的“道法自然”“天人合一”及“大德自在”在“设计无”中的体现。

从西方艺术史的角度看“设计无”

现在，我们把西方艺术史作为一个参照系，解读“设计无”的意义及其历史使命。

西方艺术史从古到今大致分三个阶段：传统的、现代的、后现代及当下阶段。每一个阶段，在思想、理念、表达方法及对社会的影响等多方面都不同。

传统艺术或古典艺术，起始于古希腊，结束于印象派。在思想理念及艺术方面，追求统一思想、共同标准、表现崇高、模仿自然，喜欢宏大主题，对现实世界抱有主观的、强力改变的意志。在建筑艺术的成就方面，以宏大的教堂、写实主义的绘画与雕刻及有明确宗教主题或为贵族权力服务的“经典艺术”形式为圭臬。其文化功能以说教为主。

现代艺术自印象派起，以杜尚的作品“泉”为标志，结束于极简主义。现代艺术与人的现代性及个人主义的真正觉醒有关。因此，在思想、观念、表达方法及对社会的影响方面与古典艺术完全不同，深入到个人的内心世界，试图把握“真实”，从个人体验的“真实”中获得灵感，形成一个命题，表现世界。因此，这样的表现必然带有前所未有的多样性、自我意识、个人尊严、权力及现实世界的对抗，形成艺术表现形式的无限可能性和巨大的创新，因此而引发了“跨界”“混合”等多学科、多媒体、多手段的艺术表现形式。这为后现代主义的产生积蓄了巨大能量。

后现代主义艺术从极简主义开始一直到今天。如果我们把二战后由美国兴起的抽象派艺术作为极简主义流行的前奏，我们可以看到，西方精英社会精神及审美发展的一个逻辑路径：现代化造成的物质丰富、感官刺激造成的麻木及西方传统思想、艺术的古典主义审美疲劳，造成西方精英社会内心沉重的精神负担，他们急需一种新的解放意识及完全彻底的耳目一新的刺激。这时，由佩吉?古根海姆推动的美国现代抽象艺术应运而生。但这种东西造成的精神混乱不过是西方传统思想、艺术及现代化混成的物欲横流冲击的最后挽歌。西方精英社会需要一种全新的、更符合道德和人类社会发展的艺术形式及设计理念。这就是极简主义产生的人类文明社会发展的必然的内在逻辑及我们今天生存其间的更大的社会背景。这样的宏观背景正是“设计无”的产生原因。

我们的问题是：人类思想、艺术、设计在经过古典、现代、后现代之后，换言之，在设计的极简主义出现之后，我们是否可以继续向前突破？人类未来的思想、艺术、设计将向什么方向发展？是否具有一种终极思考？答案是肯定的：有！那就是“设计无”！

毋庸讳言，今天中国整体的思想和精神发展依然处在西方文明巨大而全方位的影响之下。也就是说，今天中国人的精神气质及各种流行的审美，几乎涵盖了西方数千年的发展阶段及所有审美标准并存。我们只要看看眼前，就会发现中国有西方古典主义的审美，有现代审美，也有后现代的审美。也就是说，今天的中国人处在这样一个前所未有的“复合概念时代”，我们的“当下”不仅仅是我们个人的生存体验，不仅仅是我们自己历史的发展，也集合了中国古老文明及西方文明的数千年为一体。这是人类历史上没有过的“奇迹”！而恰恰是这个奇迹的力量推动我们把中国传统的文化、西方古典主义、现代派及后现代化派思潮作为一个整体看待，让我们发现：从西方传统艺术、现代派、后现代派之后，突破性的力量恰恰来自中国当下对“设计无”的认识和追求。因为我们可以看到一个清晰的发展脉络：西方古典的注重崇高、追求永恒的价值观经过数千年发展，到19世纪以来形成现代派，人们开始思考更真实、具体的个人把握的现实；再到后现代派，包括今天，以极简主义为标志，无数个人开始追求完全不同的影响世界的方式，再继续发展的结果必然是：如何超越后现代的极简主义思想、艺术和设计？我们追求的终极目标是什么？面对当下及未来的无限创新的可能性是什么？就是追求“设计无”！

“设计无”是“当下”与“永恒”理念的结合，以西田几多朗的“场所逻辑”为载体，把人类过去历史及未来作为一个整体重新看待，追求从“无到有”，再到创新性的以“重生”为理念设计。这种理念试图把握人类从古到今，乃至未来作为一个当下的生命体看待。这是一种互联网时代或神性经济时代关于人的自我认识的新概念。只有我们每一个人充分认识到“自我”，不仅仅是“小我”而是人类文明这个整体“大我”，人类的“道德责任感”及“觉醒”和“开悟”才有可能！以这样的精神去设计万物，把小我及大我结合起来，才能从无到有，再从有到无！我们称之为“设计无”！

从中国传统智慧“禅”再看“设计无”

禅是中国本土智慧发展起来的与现代化及人类未来最好的黏合剂，特别是其“心性万物说、佛性说、顿悟说、无念说”。如果说人类的一切设计只有三种：设计有、设计无、设计在有与无之间。那么，我们用六祖慧能著名的偈作为“设计无”的终极思考及本文的结束。禅的南宗创始人慧能道：“菩提本无树，明镜亦非台，佛性常清静，何处有尘埃？”而北宗创始人神秀则认为：“身是菩提树，心如明镜台，时时勤拂拭，莫使染尘埃。”

”“菩提”来自梵文，意思是觉悟、智慧、开悟或超凡脱俗的境地。也可以说是终极智慧，是普通人难以企及的境地。因此，对这样的境地用“无”表述更接近“真实”，而用“有”表述就会显得多余而劳累。正如神秀所说：当“身是菩提树”，结果就只能“时时勤拂拭”的劳累，而且，“莫使染尘埃”则变成了“痴心妄想”。对智慧而言，“有”显得很“笨”，自作聪明。

而大智慧是无形的，大道无形。正如慧能所说：“菩提本无树”，怎么可能不清静？怎么可能染尘埃？这从本体及终极的角度启示了“设计无”的精髓，也注释了此文对人类思想、艺术、设计及创新的终极思考！

衷心希望我这个设计界、教育界的外行可以抛砖引玉，让大家重新思考：“设计无”一定是可能的！

此文刊登于CIID《中国室内》杂志

所谓LOFT所指称的是那些“由旧工厂或旧仓库改造而成的，少有内墙隔断的高挑开敞空间”，这个含义诞生于纽约SOHO区。LOFT的内涵是高大而敞开的空间，具有流动性、开发性、透明性、艺术性等特征！

在二十世纪九十年代以后，LOFT成为一种席卷全球的艺术时尚。在最近的城市酒店设计中，越来越多的LOFT酒店融合现代风格的设计，使酒店不再局限于规模，而是具有独一无二的原创性主题。LOFT是一种气质，极致简约，少即是多。

或许下面的loft风格酒店设计，与北野老师的设计“无”有灵性相通之处，作为一种设计哲学，的确值得每一个文明人思考……

葡萄牙Armazém酒店

位于葡萄牙波尔图的Armazém豪华酒店融合了两个完全相反的世界：一方面，该建筑曾被用作铁仓库，为酒店的室内设计提供了工业参考；另一方面，豪华酒店的舒适和好客的必要性需要在每一个空间里注入柔软和温暖。

酒店坐落在波尔图老城区的中心，设计师便使用生锈的装饰物和大号铁标牌处理的铁楼梯作为整个酒店的基调，所有楼层的房间号码和裸露的混凝土天花板也是如此。木质家具被引入以平衡这些冷硬的材料，并在金属和木材之间形成一个有趣的对比。相邻建筑物的传统石砌墙壁与酒店的当代外观形成另一种对比，完成了旧城和新城之间的对话。

酒店客房内，柔软的织物和简单的家具减少了苛刻的工业美感，营造出舒适的居住空间，让每一位客人都有宾至如归的感觉。酒店的每间客房都是独一无二的，以不同的风格装饰，讲述不同的故事；就像酒店团队说的那样：编织自己的故事，为每次的来访提供新的体验。

比利时Jam酒店

Jam酒店位于比利时首都旁边的城市马丁吉利斯的20世纪70年代的办公楼里，该办公楼曾服务一所艺术学院，现在经过一丝不苟的大改造，变成了能完全迎合现在逐渐强壮的类似全球旅行者和冒险家的年轻人。

空间内注入了大量的松木材料，既能用作装饰元素也含有相应的功能，能软化过于朴素的设计。Jam酒店内有各种各样的客房，从一个人住的单人房到各种大小的公共客房（至少可以容纳18人），每一间客房都很舒适，而且很有设计感。裸露的水泥和柔软的棉麻布置，简单的木质书桌和造型各异的客房结构，公共区域的设计也非常酷，大胆的水泥装饰和独特的照明灯具，再加上舒适的沙发，一定会给客人留下深刻的印象。

一楼是酒吧和餐厅，同样沿袭了酒店的风格，提供各种饮料、美味的披萨、意大利面和其它意大利菜品，室内还有很多娱乐措施，例如桌上足球、乒乓球等。

纽约都市牛仔酒店

都市牛仔（UrbanCowboy）是位于纽约市布鲁克林区的一间极具纽约LOFT精神的创意酒店，确切来说都市牛仔（UrbanCowboy）是一个拥有舒适的床和早餐的酒店。酒店每间客房都是独一无二的，能使每一位客人的体验都是一对一的，每次的入住都会给你带来意外惊喜。

广岛尾道市LOFT酒店

新的生活方式（更多健康意识和环保意识）当然需要一个新时代的设计，可以满足新的需求，这个位于日本沿海城市广岛县内尾道市的以自行车为主题的酒店就是如此。

以一个旧仓库改造而成的酒店，通过复合的设计来创建一个拥有自行车文化的酒店。设计师在本项目的创建初期，同时参观了当地的传统造船业和旧式的住宅。同时了解到了当地历史，文化与景观之间的密切联系，是值得其他的设计师以及设计事务所所学习的地方。该建筑尽可能的保留了旧仓库原有的建筑结构，如混凝土柱，砖墙，金属结构。让原有的结构成为了该设计的重要组成部分。该项目的设计师不仅考虑到创新，也相应的采取了有效行动从而减少了不必要的浪费。

设计师所有考虑，得到的最终结果是一个带有工业外观的现代空间和伴随着亚洲极简主义的风格和具有独特性的酒店。中性色彩在画布上，结合木材和灰泥，线框货架和特色的照明解决方案，植物在整个空间的自然纹理点缀，设计师获得了这样一个十分简朴的内饰和宁静空间。28套房分别位于两个楼层，各自拥有其各自的魅力和特色。

设计师还将前台，酒吧和餐厅空间所拥有的简约和严谨的风格，加入了独有的一些亚洲元素，让空间显得更加舒适。此外，设计师还坚守酒店的主要主题，每间客房都配备了墙壁挂钩，让客人在不使用他们的自行车时可以展示出来。因此，这家酒店就从一个新的时代理念，保留传统和基础，并与现代艺术相融合的方式从而是整个空间焕然一新。

东京涩谷koé酒店

koé在东京涩谷新开的酒店，集艺术时尚、餐饮音乐于一体，打造了一种“新文化”的概念。酒店一楼是一家包括音乐live空间的有机餐厅。一楼顶部整体保留了工业风的管道，再加上素色的原木给人一种极简的工业感，这里是一个活动专用空间——koéspace。

二楼是服装和生活杂货商店koéShibuya，店内除了贩卖服饰、杂货等lifestyle的商品以外，还会邀请插画家、艺术家等进行跨界合作，推出店内限定的联名商品。

三楼以上是酒店客房，空间设计以日本传统的「茶道」为概念，利用素色基调打造出一个极简主义、犹如传统「茶室」的住宿空间。看上去是不是有种不用昂贵材料也能有高级质感。客房共分为四种房型，用衣服的尺码S、M、L、XL命名归类。

波兰Almond酒店

Almondhotel位于波兰?格坦斯克，平方米的空间，结合了酒店、餐厅和水疗健康场所，有间客房和大量的公共区。大厅玛瑙石花纹柜台，亮黄色的台面非常引人注目。两层水平高度的餐厅被划为两个区域，较低的一层是酒吧和坐在中心位置的厨房，更多舒适的位置就在较高的位置，餐厅的开放式厨房也很特别，顾客可以直接和厨师进行互动，立体感的瓷砖在木色为主的空间里带来现代的氛围。窗户保留了建筑原来的样子，放眼望去，能看到美丽的码头风景。

纽约LUDLOW酒店

Ludlow酒店有砖墙和工业风格窗户、舒适的客房、超级音响系统、铜烛台和浴室等。混凝土板高层下东区采用的是已经成熟的大饭店分层材料，并大量地使用这些材料。客房走廊镶板、梁和木地板，大堂和其休息室、餐厅，现在旧阁楼建筑的天花板、砖墙、护墙板均采用丰富的混合新能源和古董家具。

大阪TheBlendInn旅馆

座落在大阪市外一个安静区域的TheBlendInn旅馆，以清水模混凝土工法建造而成的四方房屋，搭配上室内工业Loft风，让建筑回归最为原始清爽的气息。开放式的空间，让旅客不受拘束；宽敞通透的大厅，方便你与来自世界各地的旅客们交流；或惬意地坐在落地窗旁，徐徐微风吹拂而来，看一本好书，体验纯粹悠哉的生活。

酒店有单人、双人、四人和六人团体等多种房型可供选择。若你想在晴朗的夜晚看星星，则能顺着向上蜿蜒的楼梯来到顶楼花园，在没有遮蔽物的情况下，来场与大自然星空的对话。清水模建筑的外观加上宽广的落地窗设计，在夜幕低垂之时，室内透出那一丝微弱灯光，映照在色彩缤纷的窗帘上，静谧又让人备感安心。

台南老爷行旅酒店

台南老爷行旅为老爷酒店集团的首次涉足设计酒店，以新旧融合作为主轴，旨在打造富有文化意趣的设计酒店，揉合东西方文化的现代创意风格。引入更多流行意识，创造随处可拾的惊喜与乐趣，吸引年轻及新世代，引发消费者玩心与好奇的所在。

老爷行旅的DNA与设计元素中，更多与台南在地文化的连结，并精准地、重视细节地以创意、幽默、有趣，以及具原创与独创性格的手法呈现。透过设计语汇和符征与符码，大量使用窗花、砖瓦、木材等元素，让台南的地貌、传统意象透过现代摩登的设计在饭店内重现，使台南老爷行旅与台南府城地气接轨。

台南老建筑的窗花，被大量运用在台南老爷行旅各个空间角落，成了一个穿针引线的主要元素。老式的「红眠床」意象，被设计师巧妙转换成客房内的木制百宝箱。客房里的、备品收纳袋、文具盒，以及餐厅用的桌椅、餐具器皿，都以鲜艳色彩呈现，传递了台湾南部的热情文化。

整馆间客房皆以黑色与白色为基底，踏入房门映入眼帘的是大片的白色木质地板以及留白的墙面；黑色则是由“红眠床”意象转化成木制百宝盒，将床铺、床台等所有休憩功能一并收纳。为强调文化传递，老爷行旅保留共坪的展示空间，希望透过不同的策展主题，让来到台南的旅客更深刻体验在地的多样面貌，甚至设有liveshow表演舞台，期许打造成台南文化交流的节点。

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